Archivo de la etiqueta: D. W. Griffith

Los cuatro puntos cardinales son tres: el sur y el norte

El nacimimiento de una nación (D.W. Griffith, 1915)

Captura de pantalla 2014-04-27 a las 10.00.31

El nacimiento de una nación marca el inicio del cine-novela en Hollywood; aunque la novela, en especial la folletinesca, tendrá su equivalente visual más logrado en los seriales televisivos, Griffith logra, en mucho menos tiempo, evocar su ambición y complejidad.

Los hallazgos técnicos en que se fundamenta la narrativa clásica del cine no fueron descubiertos aquí, y el propio Griffith rodó antes muchos cortometrajes en los que experimentó con el uso dramático del montaje paralelo, los primeros planos, los travellings que siguen a los personajes, etc.: pero en El nacimiento de una nación todos esos recursos se juntan para dar vida a una gran obra épica, lírica y política, que demuestra por sí misma todas las posibilidades del joven arte.

El nacimiento de una nación se estructura en dos partes: la primera narra la guerra civil americana a través de la relación entre dos familias, una del Norte y otra del Sur, y concluye con el asesinato de Lincoln: resulta magistral su evocación del viejo Sur (un tiempo remoto que se refleja en una obra que ahora nos resulta igualmente remota), su potente discurso antibelicista, la precisión de los detalles con que se nos muestran tanto los acontecimientos de la gran Historia como las historias mínimas de los anónimos protagonistas. Griffith parece tener el don de la imaginación concreta: es como si hubiera sido testigo de todos los hechos que muestra y luego fuera capaz de recrearlos con la intensidad de lo verdadero. Como ejemplo, valga la escena de la vuelta a casa del coronel superviviente de la guerra, que se cierra con una mano que sale de la puerta y se apoya en su hombro.

La película conserva su perfume tenue de otra época: muchas imágenes guardan un aire de familia con la fotografía victoriana de Julia Margaret Cameron (que comparte apellido, curiosamente, con la familia sureña protagonista).

Captura de pantalla 2014-04-27 a las 10.09.15

En otros momentos, ya en la segunda parte, encontramos ecos (quizá no plenamente conscientes) de otras artes: evocaciones perversas de Botticelli –Mae Marsh corriendo por el bosque perseguida por el negro Gus recuerda el primer cuadro de la Historia de Nastagio degli Onesti (1):

… o de Miguel Ángel (el herrero blanco que va en busca de Gus a la cantina tiene un gesto como el de David antes de atacar a Goliat):

Esto muestra la influencia del “espíritu burgués” en la concepción de la película: como señala con inteligencia André Bazin, siguiendo a Malraux, en principio la fotografía imitó ingenuamente a la pintura: “Niepce y la mayor parte de los pioneros de la fotografía buscaban ante todo reproducir los grabados por este medio. Soñaban con producir obras de arte sin ser artistas, por calcomanía. (…) Era natural que el modelo más digno de imitación para el fotógrafo fuera en un principio el objeto de arte, y a que, a sus ojos, imitaba la naturaleza, pero mejorándola.” (2)

La segunda parte describe la aniquilación del Sur en la postguerra, con una visión maniquea y abiertamente racista, que concluye con la glorificación del Klu Klux Klan. Las imágenes no son menos bellas o intensas, pero esta parte de la película nos plantea un dilema moral como espectadores (especialmente agudo en Estados Unidos, como prueba el hecho de que la película, próxima a su centenario, no pueda proyectarse allí públicamente –de modo similar al boicot de la música de Wagner en Israel); y también un dilema estético.

La novela moderna, como género, va más allá del ejercicio narrativo para convertirse en una exploración moral de la realidad; por tanto, en esta película (al ser la novela su modelo inspirador) la ética forma parte de la estética. Su debilidad no consiste en que el autor fuera un canalla, o en que se equivocara de bando, sino en el hecho de que se conforme con una explicación tan simplista de la realidad como la que ofrece, en la que una solución imposible se presenta como real.

La película plantea, en esta segunda parte, un problema político sin solución: el de los oprimidos que, tras su liberación, se convierten en opresores; y confronta a los políticos con las consecuencias de sus decisiones. Es instructivo comparar la visión de Griffith con la de otro artista contemporáneo nuestro, J.M. Coetzee, que en su novela Desgracia explora un panorama análogo en la Sudáfrica posterior al apartheid. Coetzee escribe desde la ética y no cae en prejuicios y simplificaciones; tampoco en el sensacionalismo, a pesar de que saca a la luz todo aquello que Griffith evita mostrar, o no se atreve a imaginar.

Captura de pantalla 2014-04-27 a las 10.03.28

Toda obra de arte va más allá de las intenciones de su autor y El nacimiento de una nación apunta cosas que seguramente Griffith no planeó: por ejemplo, que las mujeres no eran víctimas de los negros depravados sino de una moral que las empujaba a morir antes que ser tocadas fuera del matrimonio, y que las encerraba en una endogamia casi incestuosa (cfr. la relación del personaje de Mae Marsh con su hermano cuando se entera de que ha roto con su novia). El máximo horror que puede concebirse en el mundo que refleja la película es que un negro viole a una virgen blanca (la sutil Lillian Gish; la alocada Mae Marsh, que se hermana con la ardilla en la escena en que, como en las coplas populares, va por agua a la fuente; la oscura y digna Miriam Cooper, que parece una vestal antigua encerrada entre las columnas jónicas de su mansión sureña, una triste Penélope que da largas a su pretendiente del Norte mientras teje los mantos del Klan).

Captura de pantalla 2014-04-27 a las 10.13.56

También nos muestra que el nacimiento de los Estados Unidos va unido al enfrentamiento étnico; y que el cine, desde su mayoría de edad (alcanzada en esta película), no es un espectáculo inocente, sino que puede transmitir una visión política: como en la literatura moderna desde Baudelaire, ética y estética no son conceptos separados.


El título de la reseña procede de Vicente Huidobro: Altazor. Ed. Cátedra. Madrid, 2001

(1) Aunque no viene mucho al caso, podemos recordar que otra versión pictórica del mismo motivo aparece en Gertrud, la última película de Dreyer:

gertrud

(2) André Bazin: ¿Qué es el cine? Traducción de José Luis López Muñoz. Ed. Rialp. Madrid, 2006